Impressionisti e... Impressionisti - di Cynthia Penna

LOS ANGELES. Contesto ambientale, natura, luce: per la rubrica "Arte dagli USA" di ARTSTART Cynthia Penna mette idealmente a confronto due "impressionismi", quello "storico" di Gustave Caillebotte grazie a una importante mostra presso il J. Paul Getty Museum e quello "contemporaneo" dei gemelli Ryan e Trevor Oakes casualmente scoperti dalla Curatrice da Phillips.

English version below.

Foto: Oakes, Hudson River at easel

di Cynthia Penna

Art curator, Art director ART1307

Napoli - Los Angeles

Il Museo Getty di Los Angeles ha inaugurato qualche settimana fa una mostra interessantissima che durerà fino alla fine di Maggio dedicata ad una gran bella personalità dell'Impressionismo Francese forse un po' meno nota al grande pubblico: Gustave Caillebotte.

Una mostra che sembra un po' in controtendenza e fuori dagli schemi perché focalizzata sulla figura maschile nell'ambito dell'opera di Caillebotte. Ebbene, in un mondo artistico e sociale tutto centrato sulla figura femminile e sulla donna come elemento accentratore della scena, il Getty e il suo staff curatoriale insieme al Chicago Art Institute e al Musee d'Orsay di Parigi hanno optato per una mostra che irrompe in ambito espositivo con un nuovo taglio.

Addentrandoci nelle sale del museo siamo immersi in un mondo maschile della ricca borghesia francese di fine secolo '800 ove la figura maschile si esterna in tutto il suo potere e in tutta la centralità socio-culturale dell'epoca.

Pertanto l'uomo come espressione di genere e di ruolo sociale diventa in questa mostra l'elemento centrale dell'espressione artistica e viene tratteggiato in molteplici aspetti della sua vita quotidiana: dallo sport alla passeggiata, al ruolo politico, alla quotidianità e umiltà del lavoro manuale.

La pennellata impressionista di Caillebotte è il vero focus di tutta l'esposizione ove non si apprezza soltanto la figura in sé, ma si apprezzano elementi propriamente pittorici quali la luce e il colore dal marcato segno impressionista resi con pennellate "grasse" di materia che vengono poi stemperate in senso verticale o a macchia tali da rendere la tipica risoluzione impressionista dell'impianto pittorico. La luce che pervade le scene di esterni sui laghi o sui fiumi è intensa, quasi violenta: le strisce di luce del riflesso del sole sull'acqua, ci immergono in un'atmosfera che trascende il particolare per condurci in quell'atmosfera sognante ed irreale che è l'essenza di tanta parte della pittura en plein air. La luce è avvolgente: per quanto l'artista abbia evidenziato con marcate pennellate i singoli riflessi della luce sull'acqua soprattutto nelle scene di esterni sul fiume dei vogatori in attività sportiva, la luce rimane quella particolare luce "impressionista" diffusa, avvolgente, di atmosfera. Oggi parleremmo di "atmospherical works" per la loro specificità di creare un'atmosfera che avvolge non solo la scena, ma coinvolge anche lo spettatore.

Negli atmospherical works "puri" lo spettatore è fisicamente immerso in una atmosfera totalizzante ed esperienziale di luce e di modifica del contesto, ma in questi lavori di Caillebotte sembra come se i personaggi fossero immersi in un'aura di luce che riesce a diffondersi anche allo spettatore e alle sale dello spazio espositivo.

Quasi a complemento di questa magnifica mostra, vi è stata la casuale scoperta presso la casa d'aste e galleria Phillips di Los Angeles di due artisti contemporanei molto noti sulla scena artistica Newyorkese: i gemelli Ryan e Trevor Oakes. Due menti e un braccio pittorico che interagiscono concettualmente e pittoricamente sul supporto per creare opere che potremmo definire come "impressioniste" del nuovo millennio. Attraverso un procedimento tecnico molto complesso da loro messo a punto, pervengono ad un risultato pittorico molto simile alla pittura impressionista vale a dire per "macchia" e per atmosfera a cui va addizionato il valore temporale come indagine sul passaggio del tempo che modifica i luoghi e modifica la sensazione che di quei luoghi si ha.

Prima di tutto il momento pittorico avviene en plein air come per gli impressionisti; Trevor installa ogni giorno il suo speciale cavalletto concavo in un luogo prescelto e per circa otto ore, con la testa ingabbiata in un'attrezzatura fissa che gli blocca i movimenti laterali, si concentra su una sola "striscia" di panorama e ne dipinge le variazioni di luce e di colore. Il giorno successivo l'operazione si ripete sul successivo "campo visivo" in modo da creare e rendere l'intero panorama diviso per giorni e per "momenti" di luce e colore. Per accentuare la mimesi dell'occhio umano che è curvo, anche le strisce di tela/acciaio di cui è fatta l'opera sono montate in posizione concava sul cavalletto.

Il risultato è un'opera "impressionista" derivante da un sistema scientifico di studio dei meccanismi della visione umana; un nuovo "impressionismo" contemporaneo che fonde tecniche antiche con media attuali come l'acciaio, e la curvatura del supporto; un'opera che guarda e raffigura la natura nei suoi cambiamenti orari e giornalieri, un'opera rigorosamente resa con colori ad olio, dipinta en plein air, un'opera che attinge alla luce come fonte primaria della sua espressività e che gioca con l'occhio umano e con la percezione visiva in modo da provocare una forte reazione emotiva rispetto alla Natura e al suo habitat.

Ed esattamente come accadeva 100 anni fa con Caillebotte e con l'Impressionismo, l'arte guarda ancora il contesto ambientale, la natura, la luce: la pittura degli Oakes ha nuovamente inscritto sul supporto la pennellata di luce fatta di bianchi dorati, il segno dato dal pennello intinto in grassa materia pittorica che serve a raffigurare il tempo e lo spazio.

Perché l'arte ci gira attorno, ma ritorna costantemente ad esprimere, raffigurare e fissare per sempre sul supporto quello che l'occhio umano vede e la mente umana vuole preservare nel ricordo, per la posterità.

Ancora una volta i grandi musei e i grandi "luoghi" dell'arte ci offrono una visione inedita dell'esperienza artistica: un passo avanti rispetto alle tendenze sociali o ancor più socio-politiche del momento, un passo avanti rispetto alle tendenze artistiche che si sono appiattite sul sicuro-scontato perché la vera Arte non è fatta per rischiare la monotonia comunicativa ed è fatta invece per darci quella scossa di energia, e di creatività senza la quale non sarebbe se stessa.

Nella gallery fotografica: opere dei gemelli Oakes: "Pacific Sunrise 1", "Hudson River, Summer", "Pacific Nocturne" (clicca sulle immagini per ingrandirle)

Impressionists and… Impressionists

by Cynthia Penna

A few weeks ago, the Getty Museum in Los Angeles opened a fascinating exhibition - running through the end of May - dedicated to a remarkable, though perhaps lesser-known, figure of French Impressionism: Gustave Caillebotte.

What makes this show particularly compelling - and somewhat unconventional - is its focus on the male figure in Caillebotte's work. In an art world largely centered around the female figure and the woman as a dominant subject, the Getty, in collaboration with the Art Institute of Chicago and the Musée d'Orsay in Paris, have opted for an exhibition that breaks into the exhibition arena with a new slant.

Walking through the museum's galleries, we are immersed in a world of late 19th-century French bourgeois masculinity, where the male figure is portrayed in all its power and cultural centrality. Here, man - as both gender and social role - becomes the core of artistic expression. Man is depicted in various aspects of daily life: from leisure and political engagement to physical labor and sports.

Caillebotte's Impressionist brushwork is the true centerpiece of the exhibition. His paintings are not only about the subjects they depict but also about the painterly elements themselves - light and color rendered through thick, tactile brushstrokes that dissolve into vertical strokes or patches, achieving the hallmark vibrancy of the Impressionist visual language. The light that floods his outdoor scenes by rivers, lakes, and rowing clubs - is intense, almost violent. Sunlight glints off the water in sharp streaks, drawing us into a dreamlike atmosphere that transcends detail, evoking the essence of plein air painting. The light is enveloping: even when he emphasizes specific reflections with bold strokes - particularly in rowing scenes - it retains that soft, diffused "Impressionist light", full of ambience and mood.

Today, we might call these "atmospherical works", due to their ability to generate an immersive ambiance that goes beyond the painted scene and involves the viewer in a deeply sensorial experience. While in contemporary "atmospherical works" the viewer is often physically immersed in an environment of light and altered context, in Caillebotte's paintings it is as if the characters themselves are bathed in a luminous aura - one that extends beyond the canvas to permeate the gallery space itself.

Complementing this remarkable exhibition is the recent discovery of two contemporary artists who are well known on the New York art scene: twin brothers Ryan and Trevor Oakes. Their work, unveiled at Phillips auction house and gallery, offers a bold reinterpretation of Impressionism for the new millennium. Two minds and one pictorial gesture interact both conceptually and visually to create paintings that can aptly be described as "Impressionist" in spirit.

Through a complex technical process they developed, the Oakes twins achieve a result that echoes the Impressionist tradition - painting through "patches" (or "macchia") and atmosphere - but add a crucial new element: Time. Their work is an investigation into how the passage of time alters the places per se but also the way we perceive them.

As with the original Impressionists, their paintings are created en plein air. Each day, Trevor sets up his specially-designed concave easel in a chosen location. For around eight hours, with his head held still in a fixed apparatus that prevents lateral movement, he focuses on a single strip of the landscape, recording its changing light and colors. The following day, he returns to the next segment building a panoramic image piece by piece, day by day, light by light.

To mimic the curvature of human vision, the strips of canvas used for the paintings are mounted on a concave support made of stainless steel.

The result is a kind of "scientific Impressionism": a body of work rooted in a deep understanding of the mechanics of vision. These are paintings that observe and portray nature in its hourly and daily transformations. Painted strictly with oil colors and on-site, they draw on light as their main expressive force and play with the viewer's perception to evoke an emotional response to the natural world.

And exactly as was the case 100 years ago in the painting of Caillebotte and Impressionism, art still looks at the environmental context, at Nature, at Light: Oakes's painting again fixed on the canvas the brushstroke of light made of golden whites, that eternal mark given by the brush dipped in the oily paint material that serves to depict time and space.

For art turns around but constantly returns to express, depict and fix forever on the support what the human eye sees and the human mind wants to preserve in memory, for posterity.

Once again, major museums and significant spaces for art are offering us new ways of experiencing artistic practice - pushing beyond current social or socio-political trends, beyond the overly safe and predictable paths that much of contemporary art has taken. True art, after all, is not made to conform or to fall into communicative monotony. It exists to shake us, to reawaken us - to give us that jolt of energy and creativity without which it would cease to be art at all.

Foto: Oakes, Hudson River day one at easel

Per approfondire l'arte dei gemelli Oakes: https://curator.site/interviews/oakes-twins.

Per immagini della mostra di Gustave Caillebotte: https://www.getty.edu/exhibitions/caillebotte/#selected-works.

Le immagini delle opere dei gemelli Oakes pubblicate insieme al testo sono state gentilmente fornite da Cynthia Penna.